CORPORACIÓN DA VINCI
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ARTE-TECNOLOGÍA: UNA VISIÓN DE FUTURO
 
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Corporación Da Vinci
"Hace unos 50.000 años los
neardentales dejaron testimonio
de pequeños depósitos de ocre rojo.
¿Arte o tecnología? "

La corporación DA VINCI es una entidad sin animo de lucro, fundada por artistas en bases a los objetivos establecidos en sus estatutos y fundamentada en los elementos de juicio históricos que la soportan, con el fin de construir un marco de referencia social, político, cultural y académico solido y digno, que le de a la profesión una visión de futuro clara, le brinde los medios técnico materiales e inmateriales para la innovación y experimentación de nuevas propuestas conceptuales, le apoye en la búsqueda del conocimiento cientifico a través de laboratorios de investigación como instrumento enriquecedor de su labor creativa y le aporte, así mismo, la cobertura legal y el amparo institucional necesario para el desarrollo de la libre expresividad.

Este proyecto será muy especial por la concurrencia de dos perfiles (artistas e ingenieros) en la forma de investigar y trabajar, y en el cual se crearan espacios donde se formaran grupos tras disciplinarios y cuyo objetivo fundamental serán sus propios desarrollos que permitan mejorar los elementos y procesos de trabajo de unos y otros.

Este proyecto cuenta con el apoyo de la Universidad Nacional de Colombia (Sede Medellín), el grupo de investigación GEMMA, el parque tecnológico PTEM Y la corporación DA VINCI.

Gestor: Maestro Gabriel Velez C.(Escultor)
Vocal: María Jiménez V.

Para ampliación de esta información por favor dirigirse a los correos electrónicos mgabrielvelez@gmail.com o cristalazul3005@yahoo.es
teléfonos 4124242 0 3913495 en la ciudad de Medellín.

- http://corporaciondavinci.foro.galeon.com/
imagen
EL CONCEPTO
"Educar es deposítar en cada hombre toda la obra humana que le ha antecedido, es hacer a cada hombre resumen del mundo viviente, hasta el día en que vive, es ponerlo a nivel de su tiempo, para que flote sobre él y no dejarlo debajo de su tiempo, con lo que no podrá salir a flote"
José Marti.

La cultura de la interdisciplinariedad
La cultura de la interdisciplinariedad de la Corporación Da Vinci, con énfasis al desarrollo del arte contemporáneo, persigue contribuir a la formación de una concepción cientifica integral del mundo en los creadores y tecnólogos, desallorrar en ellos un pensamiento humanista, cientifico e innovador que les permita adaptarse a los cambios de concepto y abordar experiencias de conjunto desde varios puntos de vista que les posibiliten por ende asumir actividades criticas y responsables ante las politicas sociales, cientificas y tecnológicas,que los afecte y con ello desarrollen las siguientes capacidades:

1. Comprender la influencia de la ciencia y la técnica en la evolución de las artes,así como los condicionamientos históricos y sociales en la creación estética y cientifica.

2. Analizar y valorar las repercusiones sociales, económicas y politicas de la actividad artistica, cientifica y tecnológica.

3. Aplicar los conocimientos cientificos y técnicos adquiridos a la experimentación estética.

4. Utilizar los conocimientos sobre la relación existente entre la ciencia, tecnológia y arte para darle contenido real a la innovación.
INTRODUCCION
La Universidad Nacional de Colombia sede Medellín mediante su proyecto Parque Tecnológico de Minería, Materiales y Combustibles, PTMC busca generar un impacto directo en la industria y en la sociedad, mediante su función de creación y difusión del conocimiento para el desarrollo y la tecnificación del país. Este proyecto persigue la generación de nuevas tecnologías y proporciona las condiciones para llevar los nuevos conocimientos a procesos pilotos y posteriormente su escalamiento industrial, buscando siempre hacer mas competitivas y productivas las industrias. Se parte de la premisa que el único camino para sobrevivir en el mundo global y garantizar empleos de calidad es la innovación y desarrollo tecnológico, para lo cual el Parque en asocio con el sistema universitario se especializará y complementará al sector productivo.


Vista aérea del PTMC y futura sede del “Centro de Estudios e Innovación de las Tecnologías del Arte y la Ingeniería” Artex. (Medellín, Colombia)
Es para el PTMC motivo de gran alegría trabajar en conjunto con la Corporación Da Vinci en la gestación del “Centro de Estudios e Innovación de las Tecnologías del Arte y la Ingeniería”. Este proyecto además de ir con la misión del parque, es la generación de una nueva visión de la ciencia, al combinar la formación e investigación de la ingeniería con aquellas de la formación artística; recuperara esta fusión “para dar el paso a una nueva generación de científicos con características muy particulares pero necesarias para la “creación de nuevos y especiales elementemos” como reza la propuesta; el Centro será un gran paso en la generación de modernos materiales y técnicas que enriquecerán el arte y complementaran la investigación en Ingeniería en un nuevo contexto; Recíprocamente haciendo arte como una expresión científica que debe ser estudiada e investigada para que evolucione a la par de las demás ciencias.
El centro de estudios a comenzado ya su incubación, con el emplazamiento de la Corporación Da vinci y la adjudicación del espacio para su oficina en las instalaciones del PTMC conjuntamente con uno de sus principales pilares: El proyecto del “Taller y Laboratorio de Fundición“, el cual permitirá:
• Educar en la práctica con la generación de diversos materias y cursos
• Realizar investigación tecnológica en el área de nuevos procesos de colado,
• Generar nuevas mezclas de moldeo y
• Dar asesoramiento técnico al sector de la industria de la fundición, entre otras.
Este proyecto será muy especial por la concurrencia de dos perfiles (artistas e ingenieros) en la forma de investigar y trabajar, y en el cual se crearán espacios donde se formarán grupos tras disciplinarios y cuyo objetivo fundamental serán los propios desarrollos que permitan mejorar los elementos y procesos de trabajo de unos y otros.

Doctor: Antonio Romero Hernández. Líder Parque Tecnológico de la Energía, los Materiales y los combustibles. PTMC. Universidad Nacional, sede Medellín.
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Corporación
21/9/o7
CONFERENCIA.
III FERIA INTERNACIONAL MINERA.
ARTE-TECNOLOGIA: UNA VISION DE FUTURO. Ensayo
Gabriel Vélez Calle.

-Son escasas las reflexiones que piensan la relación arte-ciencia-tecnología a través de análisis críticos que orienten sobre el futuro de esta alianza. Si bien existe local y mundialmente una interesante producción de proyectos con nuevos medios, sus intenciones son principalmente lucrativas o empresariales. Debemos entonces replantearnos esta concordancia y su devenir por todos los medios disponibles; desde el universo de la crítica que tiene la responsabilidad de conocer la tecnología y las herramientas con las que fue ejecutada la obra, hasta los objetivos de las entidades privadas o publicas encargadas de su difusión y desarrollo.
-Cuando presente a la Universidad Nacional sede Medellín mi proyecto para una diplomatura denominada “Introducción a las Ciencias Interdisciplinares del Arte y la Investigación” lo hice con un breve prologo que dice más o menos así: “El artista siempre tuvo la capacidad de interpretar el mundo y su tiempo y hasta predecir de alguna manera el devenir. Con los mismos interrogantes de siempre, ahora tiene la posibilidad de utilizar toda la tecnología que esta a su alcance para contrarrestar los peligros de la desmesurada banalización tecnócrata, fruto de la incomunicación entre arte y ciencia”. -Punto a parte. “Una nueva forma de ver la estética, un nuevo orden de interpretar valores, una nueva manera de relacionarse con la Tecnología”. “Introducción a las tecnologías del arte será un primer paso crítico en la transformación del sustrato académico y comprender su filosofía será el logro de las próximas generaciones de creadores “tecnoceptuales”. -Inicio de esta manera mi corta charla porque, quizá de este modo, resumo mejor el contenido de la misma.
-Pero Antes de abordar esta presentación sobre arte y tecnología, en lo que respecta a su inter dependencia e integración para la búsqueda de la experimentación e innovación, deseo aclarar que no soy conferencista, ni catedrático ni ingeniero. Soy artista. Quizá esto me permita, con la licencia de todos ustedes, algunas juicios personales y cierto grado de libertad en la interpretación de los fundamentos históricos de esta interacción y sus consecuencias; de todos modos, en lo que si procurare ser claro, es que mi experiencia personal como creador me ha dejado la profunda convicción de que el arte no tendrá una vocación de futuro solido si no establece un compromiso de trabajo permanente y serio con cada una de sus tecnologías inter disciplinares, así mismo, resulta evidente, hoy en día, que los propios tecnólogos e ingenieros también requieren para complementar sus trabajos de investigación de un elemento que cada vez se hace más necesario: la innovación. Pero no la innovación como una palabra de actualidad carente de contenido. La innovación como el objeto de la experimentación permanente y el trabajo científico. La innovación y la creatividad, no como el producto en bruto del espíritu humano, sino, el resultado de un estudio concienzudo y ordenado de los materiales y procesos. La innovación no ya como el efecto espontaneo e intransferible del talento, sino el resultado de una seria experimentación científica de la realidad, porque la innovación, el arte y la creatividad actual, no puede ser ya mas una alquimia, sino una ecuación y la búsqueda de las formulas para develarla y la manera de prepararla es la propuesta que subyace en este proyecto.
-No tratare el tema de la arquitectura y el diseño como profesiones independientes al arte en esta visión de futuro, primero: Porque muchos arquitectos contemporáneos ya plantean su obra con una dimensión creativa muy próxima a los presupuestos ideológicos informales de las artes plásticas y estas a su vez, se ven influidas por los mismos procesos objetivos y mecanismos que se dan en la arquitectura y segundo: Porque el diseño que comparte el mismo espíritu del arte solo difiere de este, en el sentido ultimo que se le da al objeto creado. Es decir, su carácter comercial.

-Por otro lado…
-Las híper realidades de las redes, sus híper espacios y las neo tecnologías están generando una nueva sensibilidad apenas vislumbrada por nosotros, y no sabemos cuales serán sus dimensiones. Se hará necesario construir nuevas brújulas y nuevas cartografías para caminar por los espacios globales que nos esperan. Tendremos que estar preparados para asumir de forma más vital y profunda las nuevas categorías que el arte esta presentando y presentara en las próximas décadas.
-Estamos ante un cambio tecno-cultural que modifica las nociones de “arte”, de “diseño” de “ciencia”, de “técnica”, de “hombre”, de “realidad”, etc.… abriéndolas a significaciones profundamente renovadas. Atravesados por esta racionalidad modernizadora los latinoamericanos como “mayoría silenciosa” consumimos las nuevas tecnologías con escazas propuestas pensantes. Vivimos el drama pos-industrial, lo sufrimos. Digamos que… Sonámbulos entramos digitando como operarios ciegos al nuevo siglo ciber-tecnológico; funcionarios poco preparados que manejamos procedimientos sin haber participado en su elaboración.* De todos modos es importante anotar que si existen investigaciones puntuales de gran transcendencia científica y artística en nuestras universidades, pero tienen poca difusión y nos faltan medios y políticas globales trascendentes y sistemáticas que ordenen e integren un intercambio eficiente de experiencias y conocimientos.
-Como este proyecto es amplio, planteo el tema lo más esquemáticamente posible con el fin de dejar solo los elementos de juicio para un debate que tendrá que extenderse en el tiempo; mas temprano que tarde. De todos modos, cualquier reflexión actual sobre el arte no puede dejar de tener en cuenta el protagonismo esencial que la tecnología a ejercido desde la década de 1960, tanto en el ámbito artístico como el social mas amplio. Las nuevas tecnologías le han dado al arte nuevos lenguajes, han reorganizado todo el espacio institucional, laboral y pedagógico, generando una serie de debates en el ámbito de la reflexión y de la creación artística que en muchas ocasiones se ha convertido en básica para el mayor entendimiento entre la tecnología y los usos que hoy en día puede tener.
-En las vanguardias tecnológicas, digamos de los años sesenta, se reinstauro la importancia de ese lenguaje como parte fundamental del proceso de elaboración del objeto artístico y que, tanto el proceso como el objeto en si, encontrasen sus fundamentos en el pensamiento científico, la lógica y las matemáticas. Se alentaba la mezcla y ruptura de los géneros artísticos tradicionales, como la escultura y la pintura, en pos de alcanzar el arte total, junto con la introducción de materiales no tradicionales como la luz, el espacio, el tiempo y el mismo espectador. Una de las principales aportaciones que dio este lenguaje a la teoría estética, y que hoy en día tiene una importancia fundamental, es que a partir de entonces se puede concebir la existencia de la obra de arte como objeto inmaterial; esto es, ahora una obra de arte visual podía estar constituida únicamente por luz, movimiento o incluso, datos almacenados en la memoria de una computadora. . Todo esto nos aporta un axioma que sin duda alguna se convertirá en principio capital de esta relación: Cuando un artista aprende a controlar determinada tecnología, la incorpora a sus pensamientos, piensa sus ideas y produce de acuerdo a esa tecnología y así mismo, cuando el arquitecto, el ingeniero o el tecnólogo incorpora el arte y la innovación a su trabajo, deja de ser un frio producto de la ciencia.
-Ahora bien, pasemos a una breve descripción de los fundamentos históricos que explican el desmoronamiento de las fronteras entre el arte y la tecnología. Pero antes que todo dejo constancia de agradecimiento al codirector de máster de la Universidad de Cataluña doctor Xavier Berenguer que alentó las ideas de este proyecto.
Bien...
Siglos atrás, entre la práctica artística y la práctica técnica no había distinciones. A partir de Newton, sin embargo, se establece una separación entre ellas, que se agudiza durante el Romanticismo, y que acaba consolidando la existencia de "dos culturas" sin a penas conexiones. Durante el siglo XX, ha habido una serie de autores y de obras, entre la expresión y la técnica, que han contribuido a la superación de esta dualidad. Algunos miembros de las vanguardias, ciertas experiencias conjuntas de creadores y técnicos, durante los años sesenta, y, en general, la emergencia de las nuevas tecnologías audiovisuales y de comunicación, han ido minorándola. Actualmente, las aplicaciones creativas de los ordenadores y un acercamiento de las técnicas interdisciplinares al artista de manera integral y centralizada, la reducen mucho más, hasta el punto de hacerla desaparecer, y abren un horizonte atrayente en el que conviven, necesariamente, estos dos enfoques.
* En 1964 Charles P. Snow, Físico y novelista ingles, en su ensayo Las dos culturas, describía dos comunidades bien diferenciadas –la de los científicos, por un lado, y la de los artistas e intelectuales "literarios", por otro– caracterizadas por haber perdido sus raíces comunes, así como la capacidad de comunicarse entre sí. El origen de este divorcio, según Snow, reside en el paradigma científico del universo mecánico, el cual asentó la interrogación humana sobre la base de la razón y el reduccionismo, esto es, del método científico. Así, mientras el científico juega con la realidad y la lógica, al artista le concierne la imaginación y la emoción. El arte investiga el mundo subjetivo; la ciencia, por su parte, persigue el mundo objetivo y el método racional. Como consecuencia de esta escisión, el mundo del arte acabó adoptando el romanticismo como ideología principal, y el artista se convirtió en un personaje marginal, un comentador y un crítico, más que un participante y contribuyente de la realidad.
-Pues bien, décadas después del diagnóstico de Snow, existen razones, experiencias, voluntades y hasta industrias que muestran cómo esta polaridad de actitudes y de ámbitos de actuación se desmorona. En primer lugar, la propia ciencia no puede prescindir de las consideraciones morales, sociales, etc. de sus descubrimientos, como se advierte en los campos de la investigación nuclear, la biología molecular, la ingeniería genética... etc. Pero, además, en casos cada vez más frecuentes, en la propia ciencia aparece la necesidad de flexibilizar la sagrada racionalidad.
-Buena parte de los conocimientos científicos actuales poco tienen que ver con el modelo del orden objetivo de las cosas. Para la nueva física, por ejemplo, el universo parece a menudo ilimitado e imprevisible, y en el mundo cuántico los sucesos pueden ser, no ser, y todo a la vez. Por su parte, la astronomía y la cosmología hacen uso de la imaginación, la metáfora y la analogía como si de una elucubración se tratara. La ciencia invade pues, terrenos típicamente reservados a la "otra" cultura.
-El arte, en cambio, parece menos abierto y activo. Las vanguardias que lo estimularon en la primera mitad de siglo ya no existen; bien porque ya todo está dicho, bien porque el valor de las obras a menudo es y abro comillas "lo que alguien está dispuesto a pagar por ellas", como decía Andy Warhol.
-Pero la crisis del arte es también una crisis de soportes y, en cierta medida, de lenguajes. Los modos tradicionales del arte se ven modificados tanto en las audiencias como en su uso. Entonces: ¿porque no hablar también y de manera clara y precisa de una crisis en los métodos educativos convencionales?
-Un músico debe tener en cuenta, por ejemplo, que su música, gracias al disco compacto, será escuchada mayoritariamente de manera individual y no en una sala de conciertos. El libro, por su parte, difícilmente podrá rivalizar con un sistema multimedia de presentación de información, entre otras razones porque el libro contiene mucha menos. En general, no es que los soportes y los lenguajes tradicionales hayan de desaparecer, sucede que se ven impelidos a reforzar su especificidad.
-El vigor de la ciencia y de la técnica, frente al carácter dubitativo del arte establecido, hace que la frontera que los ha aislado durante siglos vaya diluyéndose. Paul Brown, artista y educador, ve además una invasión en toda regla y sentencia: "Creo que el historiador de arte del futuro, al analizar este fin y comienzo de milenio, verá que los principales impulsos estéticos han provenido de la ciencia y no del arte...y continua: Quizá la ciencia esté evolucionando hacia una nueva ciencia llamada arte, quizá el propio arte, al menos el arte que hemos conocido en este último cuarto de siglo, ha dejado de tener alguna utilidad social..."
-La distancia entre ciencia y arte se acorta, pero ¿cuándo se creó esta segregación?, y ¿qué artistas la han cruzado?
-Durante la antigüedad, no había ninguna separación entre artistas y científicos. Los griegos no hacían distinciones, todo era tecnica, habilidad, destreza. En este sentido, Leonardo da Vinci representa una culminación espléndida de la síntesis de los dos oficios.
-Hasta 1700, las primeras materias de los pigmentos eran puramente naturales, como el carbón, la tierra... Pero después, gracias a la investigación química, la paleta se fue nutriendo de nuevos materiales y nuevos colores, como el blanco del titanio, los amarillos del zinc, el cromo, el cadmio... Otro descubrimiento que revolucionó la plástica, a partir de la Segunda Guerra Mundial, fue la pintura acrílica, cuyo secado rápido posibilitó nuevas maneras de pintar. De manera que, desde el punto de vista instrumental, el divorcio entre arte y técnica nunca ha sido verdaderamente total.
-En el siglo XIX las máquinas sustituyeron al hombre, ahorrándole esfuerzo pero, a la vez, restándole identidad. La ciencia, cada vez más poderosa, empezó entonces a enseñar los dientes de la destrucción y de la anti humanidad. Los artistas, como reacción, se refugiaron en sí mismos; lo habitual entre ellos era una actitud como la de William Morris, el cual, sumándose al movimiento ludita, declaraba que "el artista y la máquina son absolutamente incompatibles". Este concepto, y el correspondiente que diría que "el científico y la subjetividad son absolutamente incompatibles", presidiría las relaciones entre las comunidades científica y artística durante el siglo XIX y buena parte del XX.
-Pero hubo artistas que se plantearon una visión alternativa, por ejemplo los futuristas. Gino Severini, uno de ellos, decía: "Yo preveo el fin del cuadro y de la estatua. Estas formas de arte, incluso empleadas con el espíritu más genuinamente innovador, limitan la libertad creativa del artista. Ellas mismas contienen sus destinos: museos y galerías de coleccionistas, en otras palabras, cementerios". Los futuristas planteaban la búsqueda de nuevas formas artísticas; en esta búsqueda, la tecnología –y su símbolo, la máquina– no era un enemigo, sino al contrario, un aliado y hasta una obra susceptible de valoración estética. En 1909 Filipo Marinetti, escritor Italiano declaraba: "El automóvil es más bello que La Victoria de Samotracia".
-El movimiento futurista, aunque de poca duración y repleto de contradicciones, constituye hoy día el precedente más directo de la tendencia integradora que actualmente inspira la práctica conjunta de arte y tecnología. Pero además constituyó en su momento una propuesta alternativa muy rica que indujo, entre 1910 y 1930, una serie de movimientos pictóricos centrados en la cuestión de si el arte debía ignorar la tecnología surgida con la industrialización, oponerse a ella o explotarla.

-Entre estos movimientos figuró el dadaísmo, con artistas tan significativos como Marcel Duchamp, Max Ernst, Man Ray, etc.; la máquina aparece como motivo en diversas de sus obras. Otra escuela positiva ante la ciencia y la técnica fue la de los constructivistas, que defendían, no tanto una nueva pintura, sino unos nuevos métodos de pintar, el uso de nuevos materiales y, en general, una nueva concepción del artista.

-Naum Gabo, un constructivista y primer autor de una escultura cinética decía: "La única meta de nuestro arte pictórico y plástico ha de ser la realización de nuestra percepción del mundo en las formas de espacio y de tiempo... La plomada en nuestra mano, los ojos tan precisos como una regla... Debemos construir nuestras obras de la misma manera que el universo construye las suyas, de la misma manera que el ingeniero construye puentes y el matemático fórmulas". Otros artistas, como Lazlo Moholy-Nagy, crearían obras originales basadas también en el movimiento, la luz o el cine.
Pero aquí y antes de continuar, me permito hacer un inciso para sembrar un interrogante a cerca de la escultura cinética con la siguiente pregunta: ¿Es el arte cinético un ventilador para la ciencia ?... ¿O puede la ciencia reinterpretar un instrumento cinético de viento para convertirlo en arte?
Veamos ahora la afinidad entre la arquitectura y la escultura constructivista del siglo 19. Como puede apreciarse existe una gran analogía en el carácter lineal de ambas composiciones.

Edificio constructivista del siglo 19 y escultura constructivista de Naum Gabo
-Otro de los antecedentes del acercamiento entre artes y técnicas es la escuela Bauhaus, fundada por el arquitecto Walter Gropius en Weimar, Alemania. Desde 1919 hasta 1933, la Bauhaus propició una enseñanza tanto de la tradición histórica de las artes como de los métodos artesanales de las escuelas de oficios, inspirando la aproximación del arte a la realidad viva y a las nuevas tecnologías y propugnando el trabajo en equipo en lugar del individual. En ella trabajaron pintores como Paul Klee y Kandinsky. Clausurada por el nazismo, la Bauhaus fue -continuada años después por Moholy-Nagy, en EE.UU. La Bauhaus queda en la memoria como una institución que extendió el arte a la vida cotidiana y a la industria, y que promovió el valor y el desarrollo del diseño industrial, una disciplina en la que, como en la arquitectura, conviven sin problemas los oficios y criterios artísticos y técnicos.
-Durante la Segunda Guerra Mundial, la mayoría de innovadores se trasladaron a Norteamérica, por eso las propuestas más interesantes en el uso de la tecnología procedieron de allí. John Cage,, compositor estadunidense en 1938, trucó las cuerdas de un piano con diversos materiales y propuso la composición basada en el azar: con ello nacía la música electrónica. Por entonces, Walter Benjamín , filosofo Alemán, advertía premonitoriamente de cómo, gracias a la tecnología, uno de los tabúes del arte tradicional, la obra única e irrepetible, dejaba de existir. Según Benjamín, el arte pierde así su antigua "aura" y se reduce a objeto de consumo, aunque no por ello pierde su valor.

John Cage Walter benjamín
-Aparecieron entonces unas figuras insólitas: los tecno-artistas. Frank Malina, escultor Norteamericano por ejemplo, era un diseñador de cohetes que dejó el ejército y se dedicó a construir instalaciones escultóricas. Takis, que había sido soldado y conocía bien el radar y los explosivos, a finales de los años cincuenta se hizo famoso con una serie de obras en las que empleaba motores, campos magnéticos, etc.

Frank Malina Escultura de takis
-En los años sesenta los intentos de síntesis de arte y tecnología se extendieron y profundizaron. La atmósfera radical que se vivía dio lugar a numerosas propuestas de arte alternativo –entre ellas, de arte basado en tecnologías–, algunas de las cuales permanecen en la actualidad como referentes notables.
-En Europa grupos como ZERO y GRAV y Equipo 57 marcaron un hito en la organización de colectivos de artistas que acogían la tecnología.
-En Estados Unidos, al tiempo que Marshall McLuhan publicaba su ensayo “Comprendiendo los medios” y Andy Warhol llamaba "La Factoría" a su estudio, Robert Rauschenberg y Billy Kluver (otro técnico reconvertido) fundaban EAT ( experimentos de arte y tecnología), una organización dedicada a potenciar creativamente la síntesis entre arte y tecnología. Entre las actuaciones de EAT destacó la exposición "Nueve tardes", celebrada en Nueva York en 1966. En esta exposición, por primera vez, la autoría de las obras exhibidas se hallaba repartida –y así se reconocía públicamente– entre el artista y el técnico. En la siguiente exposición de EAT, "Algunos otros comienzos", se concedieron también premios a los ingenieros participes de las obras.
-En 1967 Frank Malina fundó la primera publicación periódica llamada Leonardo dedicada a las "artes, ciencias y tecnologías". La década culminaría con la exposición "Cybernetic serendipity", celebrada en 1969, en Londres. Esta exposición demostró que la adopción de las tecnologías por parte de los artistas era un proceso cada vez más fluido y que el protagonismo del artista podía compartirse con el protagonismo del científico, sin que el artista debiera por ello rasgarse las vestiduras.
-Otro acontecimiento de la década fue la popularización de la televisión en todo el mundo, lo que atrajo cierto número de artistas que vieron en el nuevo medio una nueva posibilidad expresiva. Surgieron entonces los video- artistas, los cuales, a la larga y con la adopción de numerosas técnicas de manipulación de las imágenes, producirían una obra independiente y alternativa respecto al cine y la televisión. Muchos video- artistas no se limitaron a producir imágenes, sino que también adoptaron el televisor y la televisión como motivo de instalaciones escultóricas.
-Durante los años setenta continuó esta inercia creativa, hasta el punto de que algunos museos empezaron a interesarse por obras de composición tecnológica y a exhibirlas. La más significativa fue la política de el Museo del Condado de los Ángeles, que organizó equipos de artistas y técnicos para producir obras; para financiarlas, consiguió el patrocinio de importantes empresas como IBM, Lockheed, que a su vez suministraban la tecnología avanzada necesaria.
-A finales de los años setenta las relaciones entre arte y tecnología comenzaban a plantearse de una manera radicalmente nueva, y la perspectiva que se abría era extraordinaria. El protagonista de este salto cualitativo era el computador.
-Hasta entonces el computador sólo había sido aplicado en la economía y en las grandes organizaciones. En 1984 apareció el primer ordenador que manejaba textos e imágenes a un coste razonable y con una potencia adecuada para las necesidades de una persona. La capacidad gráfica y el entorno individualizado del ordenador personal atrajeron en seguida a los artistas más receptivos.
-En la actualidad, la aplicación del ordenador a la comunicación y expresión audiovisual ha progresado extraordinariamente; su práctica constituye un claro ejemplo de fusión entre arte y tecnología. Ian Paluka fue el primero en detectar el fenómeno; en un escrito de 1983 anunciaba el derrumbe de facto de la barrera que había separado al artista del científico. Para producir imágenes sintéticas por ordenador, decía Paluka, es preciso que trabajen conjuntamente ambos lados del cerebro, el derecho y el izquierdo y eso es exactamente lo que propongo que debemos empezar a hacer.
-Hemos visto entonces, que la unión de arte y tecnología no solo tiene sus fundamentos históricos puntuales, sino que; y quizá esto sea lo más significativo, tuvo su origen en una escuela: La Bauhaus que ya mencione. Y es en este punto donde deseo hacer énfasis, porque es de este modo y al través de la academia, la manera, en que hoy en día podemos formalizar este encuentro de mutua colaboración y estudio, y donde debemos recoger este legado que es necesario preservar, ordenar y acrecentar en beneficio de ambas profesiones.
-Hoy en día una escuela de estas características la podríamos llamar “Centro de Estudios, Investigación e Innovación de las Tecnologías del Arte y la ingeniería”.
-Esta primera se llamo La Bauhaus, que significa en Alemán " Casa de la construcción” fue fundada, repito, por Walter Gropius en 1919 en Weimar después de la primera guerra mundial, y fue la unión de Escuela Ducal de Artesanía de ese entonces y la Escuela Ducal Superior de Artes Plásticas.
-Veamos algunas imágenes de las actuales Bauhaus en Dessau y Berlin.



-W. Gropius sostenía que el artista y el Arquitecto deben ser también artesanos, (entiéndase aquí, tecnólogos de principios del siglo 19). En sus inicios la enseñanza estaba constituida por un curso preparatorio de seis meses dedicado a prácticas de taller con diversos materiales: piedra, madera, metal, barro, vidrio, colorantes y tejidos, juntamente con nociones de dibujo y modelado, era ahí donde los estudiantes debían manifestar que material le resultaba más atrayente y les ofrecía una mejor facilidad de trabajo.
En 1928 Gropius deja de dirigir la Escuela y por su recomendación le sucedió el arquitecto suizo Hannes Meyer. Luego en 1932 la Escuela es mudada a Berlín, en donde es cerrada por los nazis en 1933.

"La Bauhaus sentó entonces, las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como" diseño industrial y gráfico"; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían como tal y fueron concebidos dentro de esta escuela.
Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran media una de las tendencias más predominantes de la nueva arquitectura moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que ustedes se sientan hasta la página que estoy leyendo"

-actualmente, dado el amplio avance tecnológico y las modernas perspectivas conceptuales, la caracterización de una escuela de este tipo tiene una configuración mucho más ambiciosa que en sus inicios y si bien las artesanías continuaran jugando un papel importante, por lo menos en las etapas formales de la educación artística, las nuevas tecnologías han de prevalecer indudablemente. Pero ¿como podríamos hacer esto de momento? estableciendo, por ejemplo, bachilleratos artísticos, con el fin de transferir a los mismos todo el contenido curricular de las actuales facultades, liberando de este modo en las mismas, los espacios necesarios para las tecnologías como parte integral para formalizar un nuevo concepto de artista. Sin embargo, lo ideal es crear el centro especializado para las artes y las ciencias de que ya hemos mencionado. Una entidad académica en la practica que centralice y coordine la enseñanza de todas estas tecnologías interdisciplinares en la que artistas, ingenieros y tecnólogos puedan desarrollar de manera profesional y ampliamente la investigación, la experimentación, la imaginación y explorar, en contacto directo con los materiales y los medios, la innovación y nuevas visiones creativas.

-Como hemos visto, el arte y la tecnología han venido interactuando de una manera u otra, estableciendo una mayor o menor afinidad e interdependencia a lo largo de la historia con mas o menos fortuna, pero siempre marcando conjuntamente las pautas para la creación de nuevos lenguajes. Tanto la propuesta como el objetivo principal de esta VISION DE FUTURO de unir el arte con todas sus tecnologías interdisciplinares, no es el de enseñar a hacer arte, ni suplantar el arte con la tecnología ni educar en las manualidades para brindar una formación ocupacional, pues como ya lo dijimos, esto ya forma parte de nuestra educación tradicional. Es lograr la unión del arte y la ciencia de una manera diferente e integral pero no para desvirtuar la creación, sino para fortalecerla y hacerla prevalecer. Es simplemente, darle al artista herramientas de trabajo científicas, conocimientos avanzados y medios técnicos modernos para que pueda explorar libremente toda la riqueza de su espíritu.
-Sobra anotar que nuevas Bauhaus surgen actualmente en todo el mundo. Grandes ferias de arte y tecnología consolidan y dan fe de la valides de sus fundamentos pedagogicos y es, este testigo, el que hoy recoge el Parque Tecnológico de la Minería los Materiales y la Energía y la Universidad Nacional sede Medellín. En este punto es importante dejar constancia que ambas entidades en cooperación con la Corporación Da vinci, que es una asociación de artistas que apoyan el proyecto, sentaran las bases académicas, científicas y artísticas que deben orientar esta interactividad y crearan los primeros modelos curriculares para su desarrollo conjunto en Colombia. En pocas palabras, el Centro será la primera Bauhaus de América Latina y esperamos que en su momento se transforme en un punto de referencia para la investigación artística y tecnológica en el continente.
-Veamos rápidamente alguna de las varias muestras de ferias internacionales sobre arte y tecnología que ya han impuesto este tipo de enseñanza o han implementado una educación multidisciplinar en sus facultades de artes. Una visión de futuro que tendremos que afrontar.
Leamos el texto de su página de inicio:


• TECHNARTE es una conferencia internacional sobre Arte y Tecnología que tiene la vocación de ser el evento más importante en su sector. Su objetivo es presentar los desarrollos tecnológicos que facilitan al arte moderno su plena expresión y ser un foro de debate y de reflexión en torno a la convergencia existente entre la tecnología y el arte.
El arte moderno, animado y dinamizado por las nuevas tecnologías y su ímpetu innovador, está avanzando de un modo sorprendente. La influencia entre Arte y Tecnología, entre ciencia y creatividad es mutua y se ha mostrado muy fructífera en las últimas décadas, llegando a los tiempos actuales en que parecen ir de la mano de un modo indisoluble.
La Asociación Innovalia, entidad sin ánimo de lucro, ha querido hacerse eco de esta fusión artística. Por ello, ha nacido TECHNARTE, conferencia en la que se podrá escuchar a los pensadores más importantes del sector y a los tecnólogos más avanzados, y que va dirigida a profesionales del Arte en cualquiera de sus múltiples aspectos: artistas, profesionales de galerías y museos, educadores, administraciones públicas, fundaciones, certámenes,...technarte@technarte.org .
-Digamos entonces para ir resumiendo
“El arte es un concepto abierto” decía Weits. -La ciencia es un concepto abierto. Digo yo. Ambos son un universo en permanente expansión. No solo adoptan formas diferentes según las épocas, países y culturas, desempeñan también funciones diferentes, surgen de motivos diferentes y satisfacen necesidades diferentes. Sus significados son de hecho, la confluencia de un numero inmenso de conceptos y cualquier definición que sea verdadera debe abordarlos todos, por lo tanto, no fijaremos limites a los mismos ni a sus características, pero si hemos de analizar “fronteras” para poder ordenar un examen inteligente de este intercambio. El artífice actual genera y generara un tecno-arte de frontera, es decir, de intercambio, lleno de fragmentos, de trozos diversos, dispersos, que dialogan entre si en una simultaneidad caótica. Lo múltiple es una metáfora de la vida urbana, la que, junto a la rapidez y la velocidad, se conjugan para producir un imaginario, pluriforme en las producciones artísticas y en los componentes de la propia investigación, como un muestrario donde todo se puede mezclar continuamente y reordenar de todas las formas posibles. Debemos estudiar sus “fronteras” como regiones de influencia e intercambio de cultura, materiales y procedimientos, es decir, zonas de fusión y de encuentro, debemos “transgredir los limites” de las profesiones que involucran para recuperar el valor y el significado de la diferencia en la construcción de una lengua del futuro y una ciencia del mañana en la que la innovación juegue un papel importante.
Esta nueva visión de futuro para la educación artística y técnica nos exige obviamente:

1- Estructurar un entorno académico de Facultad con talleres frontera en cada una de las prácticas, tanto de base como de neo-tecnologías con carácter de laboratorios experimentales en los que puedan interactuar de manera libre y permanente la tecnología y el arte.
2- Formar profesores para desempeñarse en una realidad pedagógica distinta a la tradicional, exigiéndonos actualizar las metodologías y los contenidos programáticos de universidad, doctorado y especialización para capacitar la educación inter disciplinar y fundamentar de este modo la profesión de artes en las ciencias y la investigación estética científica.
3- Contribuir para que una nueva generación de artistas, ingenieros y tecnólogos incorporen la innovación como una asignatura.
4- Invitar a los críticos y curadores de arte a que asuman la responsabilidad de “conocer las tecnologías y herramientas con las que se ejecuta una obra” y a participar, así mismo, en la construcción de un nuevo concepto de artista y en la transformación de su imaginario social.
5- Prestar a las entidades educativas y comunidad en general el apoyo necesario para la apropiación del conocimiento científico-artístico.
6- Asesorar a los artistas en la elaboración de nuevos materiales y procesos y brindarle a las empresas los medios de investigación adecuados para la innovación tecnológica.

-En última instancia se trata, así mismo, de repensar el papel del artista en las sociedades del conocimiento. Un papel que ya no puede ser aquel del chaman o el brujo liberados de participación en las economías de trabajo y reservado -desde la bohemia o la sacralización- a la producción simbólica. En las nuevas sociedades en que la producción del conocimiento es crucial y central a toda generación de riqueza, el artista debe dejar de ser considerado un miembro aparte, y su creatividad ser reconocida dentro de ese nuevo sector del trabajo interdisciplinario que cobra importancia creciente, todo ello define ese arte futuro que es, o debería ser, el de nuestros días, a falta de que nuestras instituciones culturales como las propias educativas, adapten sus estructuras a esas nuevas necesidades y lógicas, que llaman a nuevas funciones, no desde un futuro remoto y lejano, sino desde ese futuro inmediato que es la exigencia moral de nuestro propio hoy. A partir de ahora todo esta por construir. El artista deja de ser un fiel trasmisor de lo que ve para convertirse en un creador y el científico en un autentico innovador.

Gabriel Vélez Calle. 21/09/07
Mgabrielvelez@gmail.com
Consultas:
*http://www.Joseluisbrea.net
http://www.artenua.com
Recursos de colaboración entre arte y ciencia:
http://www.asci.org/resources/links.html
Fundación Daniel Langlois - Recopilación de documentos publicados por Experiments in Art and Technology:
http://www.fondation-langlois.org/e/CRD/eat/index.html
fineArt forum (fAf) - Noticias sobre arte y tecnología:
http://www.msstate.edu/Fineart_Online/home.html
IDEA - Directorio Internacional del Arte Electrónico:
http://mitpress2.mit.edu/e-journals/Leonardo/index.html
Enciclopedia de los nuevos medios:
http://www.newmedia-arts.org
Paul Brown - Especialista en arte y tecnología:
http://www.paul-brown.com
valembo@sol.racsa.co.cr ¿Fronteras en el arte? Víctor Valembois
Carlos Fajardo Fajardo.


Calvino. Italo. Seis propuestas para el próximo milenio. Madrid: Ciruela, 1989.
CONTINUARA.





Proyecto ARTEX: Centro de estudios, Investigación e Innovación de las Tecnologías del Arte y la Ingeniería.
El grupo de investigación GEMMA en asocio con la Corporación Da Vinci, el PTMC y UNAL, sede Medellín, a asumido la misión de promover dicho proyecto y gestionar ante las entidades públicas y privadas los recursos, fondos y donaciones necesarios para el montaje y desarrollo de los talleres y laboratorios de investigación científica y artística necesarios para la búsqueda de una integración en la práctica de ambas profesiones por primera vez en América latina.
Entre algunos de los objetivos fundamentales de esta experimentación conjunta entre la ciencia y el arte están los siguientes:
1- Estructurar un entorno académico de facultad con talleres frontera en cada una de las prácticas, tanto de base como de neo-tecnologías con carácter de laboratorios experimentales en los que puedan interactuar de manera libre y permanente la tecnología y el arte.
2- Formar profesores para desempeñarse en una realidad pedagógica distinta a la tradicional, exigiéndonos actualizar las metodologías y los contenidos programáticos de universidad, doctorado y especialización para capacitar la educación inter disciplinar y fundamentar de este modo la profesión de artes en las ciencias y la investigación estética científica.
3- Contribuir para que una nueva generación de artistas, ingenieros y tecnólogos incorporen la innovación como una asignatura.
4- Invitar a los críticos y curadores de arte a que asuman la responsabilidad de “conocer las tecnologías y herramientas con las que se ejecuta una obra” y a participar, así mismo, en la construcción de un nuevo concepto de artista y en la transformación de su imaginario social.
5- Prestar a las entidades educativas y comunidad en general el apoyo necesario para la apropiación del conocimiento científico-artístico.
6- Asesorar a los artistas en la elaboración de nuevos materiales y procesos y brindarle a las empresas los medios de investigación adecuados para la innovación tecnológica.

A continuación detallamos los talleres laboratorios que se están desarrollando actualmente y que requieren de toda la colaboración pública y privada que sea posible para su eficiente implementación tecnológica y social. Es útil anotar que los laboratorios estarán apoyados por sus correspondientes programas académicos de acción estratégica.
-LABORATORIO DE MICROFUSION.
-LABORATOIO DE FUNDICION Y SIDERURGIA DE PRECISION.
HIDROMETALURGIA.
-LABORATORIO DE CERAMICA Y TECNOLOGIAS DEL VIDRIO.
-LABORATORIO DE MATERIALES.
-LABORATORIO DE ENERGIAS
-LABORATORIO DE ELEMENTOS.
LABORATORIO DE PINTURA.
Nota: Todos los talleres-laboratorio se complementaran con sus departamentos de investigación y tecnologías complementarias.
Cualquier ampliación de esta información rogamos dirigirse al grupo GEMMA. Tel: 2649189. Correo electrónico: gemma@unalmed.edu.co. mgabrielvelez@gmail.com. tel.: 4124242. Medellín, Colombia.
cristalazul3005@yahoo.com María Jimenez v.
Tel: 3166599873 o 3913495

. MISION
Realizar investigación orientada a encontrar soluciones para la gestión y aprovechamiento de los recursos del suelo y subsuelo.
2. LINEAS DE INVESTIGACION
i. Modelo Geodinámico del Territorio.
ii. Gestión y modelo Geográfico del territorio.
iii. Aprovechamiento de los recursos del subsuelo
3. CAMPOS DE INVESTIGACION
• Modelo Geodinámico del Territorio
• Aprovechamiento de los recursos del subsuelo
• Sistemas de información y Gestión del territorio
• Gestión tecnológica de agroenergéticos
• Negociación y propiedad intelectual.
• Economía de Recursos del Subsuelo
• Extracción y valorización de recursos del subsuelo
• Geología Económica
4. SERVICIOS
• Valoración de Recursos
• Sistemas de Información
• Exploración de recursos minerales
• Planeamiento y Diseño
• Gestión Tecnológica y Organizacional
o Asistencia técnica en los procesos de las Cadenas Productivas
o Aprovechamiento del Territorio en pro de mejorar su
o productividad y competitividad.
o Indicadores de Gestión (SIG). (Balance Scored Card).
o Diagnóstico de procesos
o Análisis de Cadenas Productivas
o Medición y Análisis de Estándares de Procesos y Servicios ya existente
o Evaluación y Caracterización de procesos
o Análisis, Desarrollo e implementación de Sistemas de Indicadores de Gestión (SIG). (Balance Scored Card).
PROYECTOS: Los proyectos del grupo GEMMA están compuestos de sub proyectos y son liderados por los investigadores del grupo GEMMA. La investigación GEMMA se basa en una estrategia investigativa concebida desde tres componentes: la construcción de modelos, la integración de la información, y el fortalecimiento de la capacidad científica nacional. GEMMA ha diseñado en conjunto un plan de trabajo metodológico enfocado al quehacer de investigación conjugado con la docencia. Algunos proyectos GEMMA son:
-Provincias y Sistemas Metalogénicos de Colombia.
-Estándares de Productividad Sostenible del Sector Minero Aurífero del Nordeste Antioqueño.
-Parque Tecnológico de Energía, Materiales y Minería-PTEM.
-Maestría en Ingeniería - Aprovechamiento de Recursos del Subsuelo
-Mapa Geoquímico de Sedimentos Activos.
-Metalogenia y Evolución Tectonomagmática del sector nororiental de la Cordillera Central [Segovia-San Lucas]. .
-Paragénesis Mineral del Distrito Segovia - Remedios.
-Maestría en Ingeniería - Aprovechamiento de Recursos del Subsuelo
-Congreso Colombiano de Minería
Entre los programas actuales de importancia para el grupo GEMMA esta el de asesorar a la Corporación Da Vinci en la creación y montaje de los talleres y laboratorios de investigación para el desarrollo de las tecnologías del arte y la ingeniería. (ARTEX) Proyecto que viene acompañando con el apoyo del PTMC y la Universidad Nacional, sede Medellín.